CON LOS JINETES DE ROHAN.

CUBIERTAS DE LA CATEDRAL DE SEVILLA.

2012-03-03T22:20:00.003+01:00

Ayer fuimos unos cuantos a realizar una pequeña excursión a Sevilla, a ver las cubiertas de la catedral, por cortesía de Janquio de Porfiria. Estuvimos, entre otros, Ilión de Carcasonne, Janquio de Marvelia, y Albrecht von Abadia, junto a una nutrida compañía. La verdad es que ya el ascenso por una estrecha escalera de caracol resulta una pequeña aventura, y la vista que se puede contemplar es, sencillamente, espectacular. Por la tarde, un recorrido turístico por la ciudad, de la que es muy recomendable su Museo de Bellas Artes. Nos llamaron la atención especialmente los carros alegóricos pintados por Domingo Martínez con motivo de la coronación de Fernando VI. Resultó un día estupendo, acompañado además por una temperatura ideal.

WHITNEY HOUSTON: I WILL ALWAYS LOVE YOU (1992).

2012-02-12T20:57:00.005+01:00

En el día de ayer falleció Whitney Houston, otrora superestrella y en la actualidad un juguete roto más de los que con tanta eficacia y crueldad produce la industria del ocio, y de los que tantos ejemplos tenemos. Aparentemente lo tenía todo: talento, éxito, dinero, una voz preciosa y un rostro angelical, si bien nada de ello debió bastarle. Pero los que ya tenemos cierta edad recordaremos para siempre su intervención en El guardaespaldas (1992), acompañada de Kevin Costner (otro juguete roto, aunque sin haber llegado a la autodestrucción personal), que todavía no se había convertido en el destrozapelículas (es la opinión general, pero a mí es un actor que me sigue gustando) en el que se metamorfosearía a partir de Waterworld. El film no es nada del otro mundo, pero cuenta con una maravillosa banda sonora de la que destaca su tema I will always love you.

http://www.youtube.com/watch?v=nPHCThqqt0s

So i go, but i know i will think of you every step of the way
so i'll go, but i know
i'll think of you ev'ry step of the way.
And i will always love you.
i will always love you.
you, my darling you. hmm.
Bittersweet memories
that is all i'm taking with me.
so, goodbye. please, don't cry.
we both know i'm not what you, you need.
And i will always love you.
i will always love you.
(instrumental solo)
I hope life treats you kind
and i hope you have all you've dreamed of.
and i wish to you, joy and happiness.
but above all this, i wish you love.
And i will always love you.
i will always love you.
i will always love you.
i will always love you.
i will always love you.
i, i will always love you.
You, darling, i love you.
ooh, i'll always, i'll always love you.

MICHAEL JONES: LA RETIRADA. LA PRIMERA DERROTA DE HITLER (2009).

2012-01-29T01:03:00.008+01:00

Relato emocionante y dramático, publicado por la Editorial Crítica en 2010, de lo que fue la primera gran derrota alemana en la Segunda Guerra Mundial, a saber, el fracasado avance hacia Moscú en 1941 y la subsiguiente contraofensiva soviética, que a punto estuvo de provocar el derrumbamiento de la Wehrmacht en el frente oriental. El libro está escrito acudiendo a la técnica que últimamente es muy querida por los anglosajones cuando hablan de este conflicto, a saber, acudir a los relatos escritos por los protagonistas, tanto alemanes como soviéticos, y que nos muestran toda la barbarie, la crueldad y la brutalidad de esta campaña. Espeluznante reflejo de unas condiciones atroces, con unos combates que en algunas ocasiones se desarrollaron a más de veinte grados bajo cero, en una atmósfera fantasmal y llena de irrealidad. Todo ello finalizaría con la llegada de Model al frente del IX ejército alemán, a cuya actuación el autor le concede un papel determinante en la derrota soviética, y con la autoencumbración de Adolf Hitler al nivel de genial caudillo militar, por haberse negado sistemáticamente a una retirada que podía haber terminado como la de Napoleón, aunque Jones piensa, por el contrario, que un ordenado repliegue a posiciones más defendibles hubiese sido mucho más racional. En cualquier caso, la guerra continuaría durante más de tres años, en lo que sería la mayor matanza de toda la historia.

MAX HASTINGS: SE DESATARON TODOS LOS INFIERNOS (2011).

2012-01-28T14:43:00.004+01:00

Quienes en su momento tomamos la decisión de estudiar la carrera de Historia, teníamos alguna de dos grandes pasiones, bien Egipto, bien la Segunda Guerra Mundial. Yo era de los segundos, hasta el punto de que sigue siendo mi tema favorito, aunque parezca que no se pueda decir nada nuevo de este atroz conflicto. Pues bien, es una apariencia, porque Max Hastings en este libro nos ofrece una visión radicalmente diferente de la que nos transmitían los autores de otra síntesis monovolumen que ya se convertido en todo un clásico, La guerra que había que ganar, publicada, al igual que esta obra, por la editorial Crítica. Desde luego, el enfoque no es ninguna sorpresa para quien esté familiarizado con la trayectoria del autor, que no es talmente un historiador profesional, pero que posee esa rara cualidad entre nosotros, aunque muy común en los anglosajones, de dedicarse con acierto a la alta divulgación.

Hastings, conocido en España por Armageddon (2004) y por Némesis (2007), en las cuales abordaba respectivamente los días finales de Alemania y de Japón, siempre ha tenido una especial predilección por reflejar la historia de los combatientes más que describir las campañas militares, y eso es lo que hace en su libro, en el cual recoge testimonios indiscriminadamente de soldados ingleses, americanos, franceses, alemanes, italianos, soviéticos y japoneses, para los cuales la guerra no era tanto la lucha por una causa sino una batalla diaria por sobrevivir en medio de tanta barbarie, y, sobre todo, por no embrutecer, siendo esto último algo que casi nadie conseguía. Desde el punto de vista técnico, el autor rinde homenaje a la Werhmacht, despiadamente eficaz, si bien tamaña competencia profesional merecía una causa mucho más justa. Pero incide en una idea que ya había reflejado en Armageddon: los soldados civiles angloamericanos eran demasiado conscientes de la vida de sus hombres como para desperdiciarlas inútilmente, por lo que siempre siguieron una táctica militar lenta, cautelosa, y basada en una potencia de fuego aplastante; en tanto sus homólogos alemanes y soviéticos, éstos en mucha mayor medida, tenían la eficacia del carnicero al haber sido educados en un marco ideológico cruel e implacable.

REBELDES DEL SWING (1993).

2012-01-27T11:09:00.011+01:00

El siglo XX contempló el nacimiento de dos regímenes políticos absolutamente perversos y demoníacos, el nazismo y el stalinismo. Ambos fueron maestros en la manipulación, la represión y el culto al líder carismático, y es difícil saber hasta qué punto el uno aprendió del otro. Existen, no obstante, diferencias: el stalinismo pretendía justificarse en un ideal noble, aunque sistemáticamente incumplido, cual era la redención de la humanidad de las cadenas que la oprimían. El nazismo, por el contrario, solamente pensaba en la raza germánica, a la cual las demás debían estar subordinadas, aunque, obviamente, había distintos niveles de impureza, de tal modo que si nórdicos o anglosajones eran asimilables, judíos y negros estaban ubicados al final de la escala. En la Alemania nazi, un ciudadano no judío, no comunista y no comprometido con nada, podía sentirse seguro y hasta vivir con una cierta prosperidad. En la Unión Soviética, dependiendo del día, ni ferroviarios, filatélicos, generales o hablantes de esperanto podían sentirse seguros. Los campos de concentración nazis estaban pensados para el exterminio puro y duro. Los gulags soviéticos, por el contrario, tenían como objetivo la reeducación de los que allí estaban, aunque con la mala suerte de que muchos fallecían...

En ambos regímenes, sin embargo, la gente normal se adaptó como pudo, y, dependiendo de las circunstancias, simpatizó, sobrevivió o manifestó una discreta oposición. Y de ello nos habla una película de 1993, Rebeldes del swing, protagonizada por Robert Sean Leonard (El club de los poetas muertos), Christian Bale (El imperio del sol) y Kenneth Branagh (magistral como el aparentemente encantador agente de la Gestapo) que nos ubica en Hamburgo a unos adolescentes amantes de una música no muy bien vista por los nazis, que la consideraban judía y decadente. La película, además de contar con magníficas melodías de los años treinta y cuarenta, no tiene desperdicio. Nos plantea la corrupción de los lacayos del nazismo, el funcionamiento interno de las Juventudes Hitlerianas, el culto nazi a la buena forma física, el desprecio hacia los minusválidos, el exterminio de los disidentes (inolvidable la escena en la cual el protagonista, que hace las veces de recadero, abre un paquete que contiene cenizas y un anillo), la difícil supervivencia cotidiana, especialmente de las mujeres, la existencia de una oposición clandestina y discreta, o el ambiente prebélico que se acelera tras la anexión de Checoslovaquia en 1939. El mensaje final, probablemente, es que aún en circunstancias difíciles es posible luchar por la propia dignidad y por mantener las convicciones, aunque claro, todo ello conlleva un precio que pagar, que a algunos les puede parecer demasiado alto.

TIERRAS DE PENUMBRA (1993).

2012-01-09T00:20:00.006+01:00

Uno de nuestros intelectuales favoritos es Clive Staples Lewis (1898-1963), más conocido como C.S. Lewis, quizás por la variedad de matices que podemos observar en su trayectoria. Erudito y gran conocedor de la cultura medieval y renacentista dado su condición de profesor de literatura en Oxford (su obra La imagen del mundo. Introducción a la literatura medieval y renacentista es toda una delicia), autor de relatos fantásticos (Las crónicas de Narnia), amigo personal de Tolkien, cuyo Lord of the rings debe mucho a las conversaciones mantenidas entre ambos, y, por último, propagandista religioso muy comprometido con la Iglesia anglicana.

En todas estas facetas, Lewis se mostró como un hombre de una gran sensibilidad y de enorme finura intelectual, lo que se refleja perfectamente en el film Shadowlands, estrenado en España con el título de Tierras de penumbra (1993), dirigido por Richard Attemborough y protagonizado por Anthony Hopkins y Debra Winger. La película nos cuenta la relación mantenida entre Lewis y la norteamericana Joey Gresham, que culminaría en matrimonio pero que finalizaría trágicamente con la muerte de ésta a manos del cáncer en 1960.

Las virtudes del film son casi inacabables: la ambientación, perfecta, mostrándonos el clima provinciano, apacible y casi fuera del tiempo de la universidad de Oxford. Las interpretaciones, soberbias, comenzando, naturalmente, por la de un Anthony Hopkins que en los primeros noventa se encontraba en estado de gracia (de esos años datan también El silencio de los corderos y Lo que queda del día). La historia, de una enorme sensibilidad y tristeza. Y los diálogos, llenos de inteligencia, con unas frases absolutamente antológicas:

“Dios es el creador...nosotros sólo somos las ratas del laboratorio”.
“Leemos para saber que no estamos solos”.
“Vivimos en tierra de penumbras: el sol siempre brilla al otro lado, tras la curva del camino”.

JAMES BLUNT: YOU´RE BEAUTIFUL (2005).

2012-01-08T00:10:00.006+01:00

Ofrecemos de James Blunt su canción You´re beautiful, perteneciente a su album Back to Bedlam (2005). La belleza (sí, ya lo sabemos, todo es relativo, pero nosotros así lo sentimos) de esta melodía nos exime de cualquier comentario.

My life is brilliant.
My life is brilliant.
My love is pure.
I saw an angel.
Of that I'm sure.
She smiled at me on the subway.
She was with another man.
But I won't lose no sleep on that,
'Cause I've got a plan.

You're beautiful. You're beautiful.
Your're beautiful, it's true.
I saw your face in a crowded place,
And I don't know what to do,
Cause I will never be with you.

Yes, she caught my eye,
As I walked on by.
She could see from my face that I was,
fucking high,
And I don't think that I'll see her again,
But we shared a moment that will last till the end.

You're beautiful. You're beautiful.
You're beautiful, it's true.
I saw your face in a crowded place,
And I don't know what to do,
CauseI will never be with you.

la la la la, la la la la, la la la la la aaaaa.

You're beautiful. You're beautiful.
You're beautiful, it's true.
There must be an angel with a smile on her face,
When she thought up that I should be with you.

But it's time to face the truth,
I will never be with you.

http://www.youtube.com/watch?v=oofSnsGkops&ob=av2e

AULD LANG SYNE.

2012-01-01T03:42:00.013+01:00

Bueno, supongo que tal día como hoy no resulta inapropiado recordar una vieja canción escocesa, Auld Lang Syne, conocida familiarmente como la canción del adiós (Farewell song), cuya letra fue compuesta por el poeta Robert Burns en 1788, y que ha conocido desde entonces infinidad de versiones. Deseamos dedicarla a la eterna memoria de nuestro querido colega Carolus Animalium, prematuramente desaparecido, y que fuera hombre erudito, de fina ironía, y de gran generosidad.

Should auld acquaintance be forgot,
and never brought to mind ?
Should auld acquaintance be forgot,
and auld lang syne* ?

CHORUS:

For auld lang syne, my jo (or my dear),
for auld lang syne,
we’ll tak a cup o’ kindness yet,
for auld lang syne.

And surely ye’ll be your pint-stowp !
and surely I’ll be mine !
And we’ll tak a cup o’ kindness yet,
for auld lang syne.

CHORUS

We twa hae run about the braes,
and pu’d the gowans fine ;
But we’ve wander’d mony a weary fit,
sin auld lang syne.

CHORUS

We twa hae paidl’d i' the burn,
frae morning sun till dine ;
But seas between us braid hae roar’d
sin auld lang syne.

CHORUS

And there’s a hand, my trusty fiere !
and gie's a hand o’ thine !
And we’ll tak a right gude-willy waught,
for auld lang syne.

CHORUS

http://www.youtube.com/watch?v=rId95N2teUc

EL BARON ROJO (1971).

2011-12-31T00:55:00.005+01:00

Roger Corman es muy conocido por sus adaptaciones de relatos cortos de Edgard Allan Poe, casi siempre protagonizados por Vincent Price, aunque en alguna ocasión el papel principal corra a cargo de Jack Nicholson. Pero también se le debe a este genial director de serie B una película ambientada en la Primera Guerra Mundial que narra la vida de Manfred von Richtofen, el famoso piloto de caza alemán apodado El barón rojo. Sobre este film se han vertido críticas normalmente negativas, acusándolo, sobre todo, de ser un puro aburrimiento, valoración en la que no estamos de acuerdo. Es una película belica, con una sólida estructura narrrativa, como es habitual en las películas de los años setenta, y las escenas de combates aéreos, teniendo en cuenta el poco presupuesto del film, y que en aquella época no existían, naturalmente, los efectos digitales, no están nada mal.

Pero la película plantea otros temas de forma tangencial: algunos de índole histórica, como la pretensión alemana de tener una voz en el concierto de las naciones (lo cual, dicho en idioma germánico, equivale a crear la Mittleeuropa, que siempre ha sido su sueño y que sigue inspirando la política de la actual líder del IV Reich), o los proyectos para después de concluida una guerra que se sabe ya perdida, en clave ultranacionalista y tendentes a eliminar del mapa político a obreros, socialistas, campesinos y judíos, lo que enlaza con las actuaciones realizadas por Erich Ludendorff (adjunto del jefe del Estado Mayor alemán Paul von Hindenburg durante los últimos años del conflicto), que llegaría incluso a tomar parte en el putsch de Munich de 1923.

Y otras cuestiones son de carácter más bien ético y moral: ¿hasta qué punto en una guerra se puede perder de vista el hecho de que no nos enfrentamos a bestias, sino a seres humanos como nosotros? Esto, en clave de 1914, equivale a una guerra de caballeros, limpia y honorable, ejemplificada por Richtofen, frente a una guerra implacable, despiadada y sucia, postura representada por el canadiense Roy Brown (que fue, según el film, el responsable del derribo de aquél en 1918) y, entre los propios hombres de Richtofen, por un tal Hermann Goering, cuya principal hazaña, según el film, fue la de ametrallar enfermeras cuando la escuadrilla alemana atacó el campo de aviación británico. Apuntaba maneras, desde luego, porque algunos años después, aunque esto no lo cuenta la película, le encontraremos al mando de la Luftwaffe.

Desde luego, algunas imágenes son muy ilustrativas de un mundo que está a punto de derrumbarse: recordemos la estancia de Richtofen en el castillo de su familia convaleciendo de sus heridas, cuando su mayor preocupación es la caza, siendo antológica la escena en la que su madre le recordó el jabalí que mató en 1913. No es extraño que personajes como él vieran las trincheras como una matanza poco elegante y optaran por la aviación, que en la Primera Guerra Mundial era vista como un arma propia de caballeros. Pero la guerra nunca es limpia, y los presuntos caballeros, nunca han existido, tan sólo bestias (que podemos ser cualquiera) cuya máxima preocupación es sobrevivir.

THE MASTER OF BALLANTRAE (1984).

2011-12-26T20:36:00.012+01:00

Los años ochenta fueron testigos de numerosas series televisivas de corte histórico, algunas de ellas de gran calidad, combinando una cuidada ambientación y una estructura narrativa muy sólida. Recordamos con especial cariño El señor de Ballantrae, basada en la novela de Robert Louis Stevenson, y que ya había sido objeto de una infumable versión cinematográfica en los años cincuenta con Errol Flynn, en la que cualquier parecido con la novela original es pura coincidencia. Protagonizada por Richard Thomas, Michael York, John Gielgud y Timothy Dalton, está ambientada en los años centrales del siglo XVIII, cuando el pretendiente Estuardo a la corona británica, Bonnie Prince Charlie, desembarca en tierras escocesas para reclamar sus derechos al trono, iniciando una rebelión que finalizaría en 1746 con la desastrosa derrota de Cullodeen. Cuando la noticia llega al castillo de los Ballantrae, se toma la decisión de que el hermano mayor se una a los jacobitas (o rebeldes) y el menor se quede en casa velando por el patrimonio de la familia. A partir de ahí, nos encontraremos cómo el primero se pasa media vida huyendo de los británicos, y el menor se queda con el castillo, el dinero, la posición social, y la chica (que era la novia del primogénito).

Destacaríamos la escena inicial de la serie, que es de gran brillantez, y está acompañada de una estupenda banda sonora debida a Bruce Broughton, que posteriormente se encumbraría con Young Sherlok Holmes y Silverado. Para realizarla, llegó a investigar sobre la música de la época, destacando su Main title, muy simple, pero tremendamente pegadizo.

http://www.youtube.com/watch?v=LwfCb4aYN_Q

JOHAN Y PIRLUIT.

2011-12-21T19:30:00.006+01:00

Probablemente alguien se haya preguntado a quien corresponde el avatar que hay en el perfil del firmante de este blog. Pues bien, a dos personajes absolutamente olvidados (al menos aquí en España, porque en Bélgica se siguen editando sus aventuras, según pude comprobar por un amable regalo que me hicieron en cierta ocasión), de un dibujante bastante olvidado, que se llamaba Peyo, que hace ya bastantes años que falleció, y que fue uno de los favoritos de mi infancia, allá por el Paleolítico Superior. Pierre Culliford, "Peyo", dibujante belga de historietas, nació el 25 de junio de 1928 en Bruselas y murió el 24 de diciembre de 1992. Empezó sus estudios en la academia belga de Bellas Artes, pero al cabo de unos meses la abandonó. Durante la segunda guerra mundial empezó a trabajar en un estudio de animación, donde conocería a autores como Morris (el creador de Lucky Luke) y Franquin (autor de Gaston Lagaffe, que según malas lenguas fue donde se inspiró Ibáñez al crear El botones Sacarino).

La creación más conocida de Peyo son Los pitufos, los cuales creo que fueron traducidos en España al catalán (els Barrufets) antes que al castellano. En este último idioma, fueron publicadas algunas de sus aventuras en la revista Strong, de la que nadie se acordará, que apareció entre 1969 y 1971. Posteriormente aparecieron en la revista TBO (donde fueron denominados como Los tebeítos), y, seguidamente, Bruguera adquirió los derechos, respetando su primera traducción castellana de Los pitufos. El éxito de Los pitufos eclipsó a los restantes personajes de Peyo, de los que podríamos destacar Benito Sansón (así lo tradujo Strong, también ha aparecido en castellano como Valentín Acero, el original francés es Benoit Brisefer), y, mis favoritos, Johan (o Jano) y Pirluit, cuyas aventuras están ambientadas en la Edad Media, y en una de las cuales, precisamente, (La flauta de los seis pitufos, 1958) tuvieron su primera aparición los pitufos, que en sus primeros momentos siguieron acompañando a Johan y Pirluit en sus andanzas hasta que su éxito (llegó el momento en que se vendían más ejemplares de aventuras con pitufos que sin ellos) obligaría/estimularía/animaría al autor a independizarlos, si bien llegó un momento en que acabó viéndose desbordado por su éxito hasta el punto de maldecirlos internamente (en realidad, sus personajes favoritos eran Johan y Pirluit, pero de algo hay que vivir).

De ambos, Los pitufos y Johan y Pirluit, publicó Bruguera numerosas aventuras en su Colección Olé, a finales de los setenta e inicios de los ochenta, en una edición nefasta desde el punto de vista de la calidad, pero que es la única medio completa que se ha publicado en España. Desde el punto de vista estilístico, el dibujo de Peyo es de trazo limpio, con un cuidado colorido (aspecto que en las ediciones de Bruguera se pierde mucho), una cierta atención por los detalles, y numerosos rasgos de humor, presentándonos una Edad Media absolutamente idealizada y pletórica de detalles mágicos y de fantasía. Ambos personajes son muy distintos, por cuanto Johan es valiente, caballeroso e idealista, y Pirluit, su contrapunto, cobarde, glotón, y bufonesco, con una especial inclinación por la música, que no valorada por sus desafortunados oyentes. Por supuesto, en España, tal como está el patio ahora mismo, no parece que vayan a ser reeditados. Menos mal que me hice en su momento con la colección completa.

GOODBYE MR. CHIPS (1939).

2011-12-18T22:20:00.006+01:00

El docente ha sido un género que ha sido muy tocado por la cinematografía, siendo uno de sus ejemplos más famosos, y del que hablaremos otro día, El club de los poetas muertos. El tratamiento del oficio ha sido muy desigual, y ha estado en consonancia con las transformaciones sociales sufridas a lo largo del siglo XX. Desde los años cincuenta, por ejemplo, se tendió a presentar unas aulas conflictivas, llenas de alumnos poco o nada interesados por el estudio, y que mostraban al profesor de turno bien como un carcelero titulado, bien como una especie de héroe pedagógico que pretendía llevarlos al redil del aprendizaje y la curiosidad intelectual. Pero hay otros films, pocos en número, y ya muy antiguos, que mostraban la entrega, la dedicación y la soledad final de todos aquellos que habían decidido dedicar su vida a la enseñanza, sin más premio ni consuelo que un recuerdo difuso entre sus estudiantes. Uno de esos ejemplos viene dado por Adiós Mr. Chips, basado en una novela que escribiera James Hilton (el autor de Horizontes perdidos) en 1934, y que fue adaptada al cine en varias ocasiones.

Una de ellas, en 1969, con Peter O´Toole (a quien esté acostumbrado a recordarle como Lawrence de Arabia, resulta poco menos que chocante verle como un atildado profesor inglés) y Petula Clark, y, sobre todo, en 1939, cuando fuera protagonizada por Robert Donat (autor absolutamente olvidado hoy día), que tiene todo el encanto especial de las películas en blanco y negro. La historia, muy lineal: la vida de un profesor en un refinado colegio privado inglés entre 1870 y los años anteriores a la Segunda Guerra Mundial, existencia transcurrida casi siempre en solitario, exceptuando un breve interludio matrimonial que finalizó con la prematura muerte de su cónyuge, y que nos sirve para contemplar los cambios sociales habidos en Inglaterra durante este período, con especial incidencia en el trauma que supuso la Primera Guerra Mundial. La escena final, de una sensiblería ñoña recomendada a los amantes de los kleenex, nos presenta al profesor en su lecho de muerte contemplando cómo desfilan ante él todos sus antiguos alumnos, ofreciéndole el consuelo de que su existencia, al fin y al cabo, no ha sido tan vacía y tan solitaria.

http://www.youtube.com/watch?v=9Lau_ROXbog

JANE BURBANK y FREDERICK COOPER: IMPERIOS (2010).

2011-12-17T12:14:00.005+01:00

Está claro: si se quiere buscar cualquier síntesis sobre cualquier tema histórico, las mejores se deben, sin lugar a dudas, a los anglosajones. Tienen muchos puntos a su favor: buenas bibliotecas a su disposición, el no haber abandonado nunca la historia narrativa, y el verse sometidos a la tiranía de las editoriales privadas, para las cuales el estilo y la claridad expositiva son aspectos fundamentales. Desde luego, también existen puntos débiles, como el hecho de que se trata de una historia sin problema, donde todo está muy claro y donde todo parece definitivo. En cualquier caso, la obra que presentamos, traducida al castellano por la editorial Crítica en el 2011, nos aborda una panorámica global de todos los imperios que se han sucedido a lo largo de la historia, comenzando por el romano, y concluyendo con las nuevas formas de dominación que encontramos en la actualidad, a cargo de los Estados Unidos, China, o la Federación Rusa. Obviamente, el tratamiento de los distintos períodos es desigual: muy endeble, por la parte que nos toca, el dedicado a los Habsburgos españoles en Europa, y muy lograda la contraposición entre la Rusia (no en vano, uno de los autores, Jane Burbank, es especialista en estudios rusos y eslavos) y los Estados Unidos del sigo XIX. En este sentido, el planteamiento es original: un imperio, el ruso, supuestamente autocrático, pero que en la práctica respetó los marcos sociales, culturales y religiosos de las poblaciones conquistadas, aunque solamente fuera por pragmatismo; y una república, supuestamente democrática, la norteamericana, que eliminó sin piedad cualquier atisbo de diferencia del modelo dominante, blanco, protestante, y anglosajón, o relegó a los que no lo eran a la categoría de ciudadanos de segunda clase, y que hasta los años finales del siglo XX no comenzó a autocontemplarse como una sociedad multicultural.

JULIENE OSBORNE MCKNIGHT: UNA LEYENDA CELTA (2000).

2011-12-11T00:13:00.008+01:00

De origen irlandés, aunque afincada en los Estados Unidos, Julienne Osborne es lo que en gaélico se denomina una samchai, es decir, una narradora de historias tradicionales. Su primera novela, I am of Irelaunde (2000), traducida al castellano como Una leyenda celta, nos cuenta la historia de San Patricio, el introductor en la isla del catolicismo, a la vez combinada con el relato de la vida de Ossian, que segíun la leyenda fue el poeta más grande de la isla. El argumento entrelaza hábilmente el pasado céltico y el futuro ligado al catolicismo, pero sin que este cambio religioso conlleve el olvido de la tradición, por cuanto, influido por las historias de Ossian, Patrick (o Patricio), pasa de su odio inicial a la isla a un fuerte amor por sus gentes, su cultura y sus tradiciones, a la vez que mantiene una relación, absolutamente platónica, con la druida Ainfean, que le hace ver que no es tan malo amar a alguien. El estilo y el argumento pueden parecer algo ñoños, es cuestión de gustos, pero a mí particularmente me resulta un libro de una belleza y una sensibilidad fuera de lo común. O posiblemente se deba a que todo lo céltico me resulta fascinante, quizás por el hecho de que de las grandes culturas europeas (latina, eslava, germánica) la celta ha sido la gran perdedora. Y siempre me gustaron los perdedores.

HIMNO RUSO.

2011-12-10T15:59:00.006+01:00

Mis gustos musicales son un tanto heterodoxos. Tengo una cierta predilección por los himnos nacionales, y mi favorito es, sin lugar a dudas, el ruso. Su historia ha sido un poco accidentada: es una adaptación del himno de la Unión Soviética de 1944, cuya música fuera compuesta originalmente por Aleksandr Aleksándrov, y que dejara de serlo con la disolución de la URSS en 1990, siendo nuevamente introducido por Vladimir Putin en el 2000, aunque, evidentemente, cambiándole de letra.

http://www.youtube.com/watch?v=D9An__ipK4A&feature=fvst

Rossiya — sviashchennaya nasha derzhava,
Rossiya — liubimaya nasha strana.
Moguchaya volia, velikaya slava —
Tvoyo dostoyane na vse vremena!

Pripev:

Slavsia, Otechestvo nashe svobodnoe,

Bratskij narodov soyuz vekovoi,

Predkami dannaya mudrost narodnaya!

Slavsia, strana! My gordimsia toboi!

Ot yuzhnyj morei do poliarnogo kraya
Raskinulis nashi lesa i polia.
Odna ty na svete! Odna ty takaya —
Jranimaya Bogom rodnaya zemlia!

Pripev

Shiroki prostor dlia mechty i dlia zhizni.
Griadushchie nam otkryvayut goda.
Nam silu dayot nasha vernost Otchizne.
Tak bylo, tak yest i tak budet vsegda!

Pripev

TYRION LANNISTER.

2011-12-07T23:48:00.006+01:00

Los amantes de la saga Canción de hielo y fuego, de George R.R. Martin (de la que hasta el momento se han traducido al castellano Juego de tronos, 1996; Choque de reyes, 1998; Tormenta de espadas, 2000; y Festín de Cuervos, 2005; estando pendiente la traducción a nuestro idioma de A Dance with Dragons, publicada en 2011), tienen sin lugar a dudas un amplio elenco de personajes donde elegir. A diferencia de otras sagas de la literatura fantástica, aquí los protagonistas destacan, en la mayor parte de las ocasiones, por su ambiguedad: no cabe hablar de buenos muy buenos ni de malos muy malos (como sí sucede, por el contrario, en nuestra admirada El señor de los anillos), sino que todos presentan dosis variables de ambición, crueldad, y cinismo. Podríamos destacar a Eddard Stark, maravillosamente interpretado en la serie de televisión por Sean Bean (recordemos: el Boromir de La Comunidad del anillo), y al cual su bonhomía y lealtad no le libraron del verdugo, a Jon Nieve, hijo bastardo del anterior, siempre presa de sentimientos encontrados, pero, sobre todo, a nuestro favorito, Tyrion Lannister, modelo perfecto del antihéroe: poco agraciado, cínico, ambicioso, desleal, oportunista, pero con un cierto toque de ternura y compasión hacia los débiles.

LEYENDAS DE PASION (1994).

2011-12-05T21:12:00.008+01:00

Una lectora de este blog me informó amablemente de una serie de películas que entran dentro del género lacrimógeno, detalle que le agradecemos. Pero la madre de todos los dramones es, sin lugar a dudas, Leyendas de Pasión (Legends of the Fall), una película de 1994 basada en la novela que en 1979 escribió Jim Harrison. Dirigida por Edward Zwick y protagonizada por Brad Pittt, Anthony Hopkins, Aidan Quinn, Julia Ormond, y Henry Thomas. El padre (Hopkins) es un coronel retirado que vive en Montana con sus hijos Tristán (Pitt), Samuel (Thomas) y Alfred (Quinn). Samuel, el menor de los hermanos, trae a casa a su novia Susannah (Ormond), de la que acaban enamorados Tristán y Alfred. Samuel se va a la Primera Guerra Mundial, donde muere, y Tristán, lleno de remordimiento por no haber podido salvar a su hermano, realiza un largo periplo por el mundo, para descubrir cuando vuelve a casa que Susannah se ha casado con Alfred. Tristán contrae matrimonio con una chica india, se dedica al contrabando de alcohol en los tiempos de la Ley Seca, lo que le acarrea problemas, su mujer es asesinada, él empieza a liquidar a los responsables de su muerte, Susannah se suicida, los enemigos de Tristán van a buscarlo para matarle, y en un memorable duelo final los dos hermanos junto con su padre se los cargan a todos. El diálogo final es memorable (bueno, todo es relativo, para mí supone el clímax de la película porque es cuando se reconcilian los dos hermanos):

-Brad Pitt (Tristán): Cuida de mis hijos.
-Aidan Quinn (Alfred): Será un honor, hermano.

Finalmente, Tristan vive una larga vida de aventuras, y su existencia termina cuando se enfrenta en las montañas con un enorme oso. Bueno, como dramón, evidentemente, no está mal, y lacrimógena sí que resulta a ratos. Es una película exagerada, que tiene ardientes defensores y rabiosos detractores. A mí, particularmente, me gusta: es cierto que Brad Pitt tiene cara de palo que no se le quita en toda la película, que Aidan Quinn no pasa de ser correctito, y que Julia Ormond, desde mi punto de vista, aporta poco, pero ahí está Anthony Hopkins que salva de la quema casi cualquier film. El trasfondo histórico, está bien, reflejándonos al principio un ambiente de western crepuscular en el que los indios ya casi han sido totalmente exterminados (aunque en casa del coronel quedan algunos), que enlaza con la Primera Guerra Mundial, la busca de los últimos parajes desconocidos por el hombre blanco (el viaje de Tristán me da la impresión que está ambientado en Nueva Guinea) y los cambios sociales que tienen lugar en el medio oeste americano durante los años veinte, con el crecimiento de las ciudades, la motorización, y la Ley Seca. Y el argumento, bueno, Dickens tiene dramas mejores, pero para una película de los noventa, teniendo en cuenta la sequía de ideas que padece el cine actual, tampoco está mal (tengamos en cuenta que se basa en una novela). Buena fotografía, correcta ambientación, y, sobre todo, una preciosa banda sonora de la que destacamos el tema principal, "The Ludlows" (el apellido de la familia) debido a James Horner, que cumple con creces su papel de emocionar y sensibilizar al espectador.

http://www.youtube.com/watch?v=Qhc_TmSGd5s

Recomendada a: los amantes de los dramones y de las películas que hagan llorar.
No recomendada a: quienes odien a Brad Pitt, o alérgicos a los kleenex.

CAMELOT (1967).

2011-12-03T11:17:00.003+01:00

Para muchos, el mito artúrico despierta una gran fascinación, especialmente en un mundo gris, anodino y esencialmente injusto como el que nos toca vivir. En contraste, nos encontramos con un universo de caballeros valientes, esforzados y virtuosos, que luchan por la justicia y que se rigen en todo momento por el código del honor. En realidad, los caballeros medievales nunca fueron así, sino unas bestias desalmadas y sin escrúpulos, pero es lo que nos gusta creer. Es bien sabido que el cine en numerosas ocasiones ha reflejado todo este mundo, y la película Camelot (no confundir con la serie de televisión del 2011) es un bien ejemplo de todo ello. En principio, era un musical de Broadway, que fue adaptado con posterioridad al cine, estando protagonizado por Richard Harris como Arturo, Vanessa Redgrave como Ginebra, y Franco Nero como Lanzarote. El film en todo momento constituye una reflexión sobre el triunfo del derecho y la razón frente a la barbarie y la brutalidad, presentando a la mítica Camelot como el paradigma de lo primero y como una tierra de justicia y equidad frente a un mundo sombrío y tenebroso. La estética (no olvidemos que es una película sesentera) nos puede sonar a antediluviana, pero hay una escenas con claras resonancias prerrafaelistas de una indudable belleza. En cuanto a la música, nada que ver con nuestros gustos actuales, pero siempre nos gustó la melodía que cantara Lancelot cuando parte desde su castillo (todos reconoceremos el Alcázar de Segovia) rumbo a la tierra del rey Arturo: C' est moi.

http://www.youtube.com/watch?v=TdrEmZ35fxc

Camelot! Camelot!
In far-off France I heard your call.
Camelot! Camelot!
And here am I to give my all.
I know in my soul what you expect of me,
And all that and more I shall be.

A knight of the Table Round should be invincible,
Suceed where a less fantastic man would fail.
Climb a wall no one else can climb,
Cleave a dragon in record time,
Swim a moat in a coat of heavy iron mail.
No matter the pain, he ought to be unwinceable,
Impossible deeds should be his daily fare.
But where in the world
Is there in the world
A man so *extraordinaire*?

C'est moi! C'est moi, I'm forced to admit.
'Tis I, I humbly reply.
That mortal who
These marvels can do,
C'est moi, c'est moi, 'tis I.
I've never lost
In battle or game;
I'm simply the best by far.
When swords are crossed
'Tis always the same:
One blow and au revoir!
C'est moi! C'est moi! So adm'rably fit!
A French Prometheus unbound.
And here I stand, with valour untold,
Exeption'ly brave, amazingly bold,
To serve at the Table Round!

The soul of a knight should be a thing remarkable,
His heart and his mind as pure as morning dew.
With a will and a self-restraint
That's the envy of ev'ry saint
He could easily work a miracle or two.
To love and desire he ought to be unsparkable,
The ways of the flesh should offer no allure.
But where in the world
Is there in the world
A man so untouched and pure?
(C'est moi!)

C'est moi! C'est moi, I blush to disclose.
I'm far too noble to lie.
That man in whom
These qualities bloom,
C'est moi, c'est moi, 'tis I.
I've never strayed
From all I believe;
I'm blessed with an iron will.
Had I been made
The partner of Eve,
We'd be in Eden still.
C'est moi! C'est moi! The angels have chose
To fight their battles below,
And here I stand, as pure as a pray'r,
Incredibly clean, with virtue to spare,
The godliest man I know!
C'est moi.

THE VIRGINIA COMPANY.

2011-12-01T19:48:00.009+01:00

Y, siguiendo con Pocahontas, le toca el turno a The Virginia Company, la canción que abre la película. La compañía existió en realidad, y fue fundada por carta real concedida por el rey Jacobo I de inglaterra en 1606. En verdad fueron dos compañías distintas a las que se les concedió el monopolio de la colonización de la costa norteamericana, una radicada en Plymouth y la segunda en Londres, cuyos hombres fundarían al año siguiente la localidad de Jamestown, en Virginia. La verdad es que, como le sucede a muchos films de la Disney, el principio es muy brillante, aunque en este caso luego se desinfla.

http://www.youtube.com/watch?v=xfNRRVSndA4

In sixteen hundred seven/We sail the open sea
For glory, God, and gold/ And The Virginia Company
For the New World is like heaven/ And we'll all be rich and free
Or so we have been told/ By The Virginia Company
Or so we have been told/ By The Virginia Company
For glory, God and gold/ And The Virginia Company
On the beaches of Virginny/ There's diamonds like debris
There's silver rivers flow/ And gold you pick right off a tree
With a nugget for my Winnie/ And another one for me
And all the rest'll go/ To The Virginia Company
It's glory, God and gold And The Virginia Company.

STEADY AS THE BEATING DRUM.

2011-11-30T19:47:00.004+01:00

He de confesarlo; tengo debilidad por la música de las películas de Walt Disney, que en algunas ocasiones constituyen lo mejor del film. Esto es lo que le sucede a Pocahontas (1995), que a nivel de animación no es precisamente de las más logradas, pero cuya banda sonora, debida a Alan Menken, a cuya figura en más de una ocasión volveremos, es de una gran belleza. Con el ritmo del tambor, según su traducción al castellano, presenta el interés de mostrarnos en paralelo escenas de la vida cotidiana de las tribus de lo que con el tiempo sería Virginia.

http://www.youtube.com/watch?v=_dqHMbl9j3E

[Native Americans]
Hega hega yam-pi-ye-hega
Yam-pi-ye-he-he hega

Hega hega yam-pi-ye-hega
Yam-pi-ye-he-he hega

Steady as the beating drum
Singing to the cedar flute
Seasons Go and seasons Come
Bring the corn and bear the fruit

By the waters sweet and clean
Where the mighty sturgeon lives
Plant the squash and reap the bean
All the earth our mother gives

O Great Spirit, hear our song
Help us keep the ancient ways
Keep the sacred fire strong
Walk in balance all our days

Seasons go and seasons come
Steady as the beating drum
Plum to seed to bud to plum
(Hega hega yam-pi-ye hega)
Steady as the beating drum

Hega hega yam-pi-ye-hega
Yam-pi-ye-he-he hega.

QUEDATE A MI LADO (1998),

2011-11-29T19:21:00.013+01:00

Mis gustos cinematográficos destacan por su eclecticismo. Normalmente me gustan las películas que me transportan a hazañas imposibles, pero también tengo una cierta preferencia por los dramones, como Stepmon, nombre del film en versión inglesa. Pues bien, érase que se era una mujer separada enferma de cáncer (Susan Sarandon) sin curación posible. Tiene dos hijos pequeños, y ha de enfrentarlos a la dura realidad. Su ex (Ed Harris) vive con una fotógrafa (Julia Roberts) que, de una forma lenta pero exitosa, va ganándose el cariño de los niños, no sin buenas dosis de celos por parte de su madre, que no para de recordarle que ella les conoce mejor que nadie. Ambas tienen miedo: Susan Sarandon a que sus hijos la olviden, y Julia Roberts a que siempre la recuerden. El final es feliz: la madre, naturalmente, ve cómo la enfermedad sigue su curso, pero acaba aceptando que Julia forme parte de la familia y se haga con el afecto de sus hijos.

Cabría destacar, además de unas interpretaciones impecables (sobre todo la de Susan Sarandon, que se come a Julia Roberts, el papel de Ed Harris es demasiado breve), la formidable banda sonora, apoyada en la canción Ain't No Mountain High Enough (1967), de Marvin Gaye y Tammi Terrell, que a finales de los noventa ganó cierta popularidad por ser la sintonía de un anuncio de teléfonos móviles, si no recuerdo mal.

http://www.youtube.com/watch?v=Xz-UvQYAmbg

Listen, baby
Ain't no mountain high
Ain't no vally low
Ain't no river wide enough, baby
If you need me, call me
No matter where you are
No matter how far
Just call my name
I'll be there in a hurry
You don't have to worry
'Cause baby,
There ain't no mountain high enough
Ain't no valley low enough
Ain't no river wide enough
To keep me from getting to you
Remember the day
I set you free
I told you
You could always count on me
From that day on I made a vow
I'll be there when you want me
Some way,some how
'Cause baby,
There ain't no mountain high enough
Ain't no valley low enough
Ain't no river wide enough
To keep me from getting to you
No wind, no rain
My love is alive
Way down in my heart
Although we are miles apart
If you ever need a helping hand
I'll be there on the double
As fast as I can
Don't you know that
There ain't no mountain high enough
Ain't no valley low enough
Ain't no river wide enough
To keep me from getting to you
Don't you know that
There ain't no mountain high enough
Ain't no valley low enough
Ain't no river wide enough

Y el desarrollo de la historia, tramposo y totalmente efectista, buscando (y encontrando) continuamente las lágrimas del espectador. Hay un diálogo antológico en este sentido:

-Julia Roberts: ¿Sabes? Temo que cuando tu hija se case, te siga recordando.

-Susan Sarandon: Y yo tengo miedo de que no lo haga (y tened el pañuelo preparado).

Probablemente tenga algo de masoquismo cinematográfico, pero a mí, particularmente, me gustan las películas que me hacen llorar. En el caso de espíritus sentimentaloides e introvertidos, lo considero una buena terapia para liberar tensiones. Es probable por ello que esta película suscite el odio de muchos, y que estas opiniones favorables merezcan mi crucifixión inmediata. Así que, enemigos de los melodramas, absténganse completamente de verla.

ROSE OF CIMARRON (1976).

2011-11-27T23:55:00.009+01:00

Probablemente nadie se acuerde hoy día de Poco, grupo de country rock formado en 1968 y que aún hoy permanece en activo. Es posible que la canción que de ellos más sonara por estos lares fuese Rose of cimarron, del álbum homónimo publicado en 1976, y que a finales de los setenta se escuchaba mucho en las emisoras de radio. Canción algo monocorde (bueno, bastante monocorde), transmite sin embargo una sensación de infinita nostalgia. Dicho sea de paso, hay un western inédito en España que con el mismo título fuera realizado en1952.

http://www.youtube.com/watch?v=g7k0NZ4XidM

Roll along, roll on/ Rose of Cimarron
Dusty days are gone/ Rose of Cimarron
Shadows touch the sand and look to see who's standin'
Waitin' at your window, watchin' will they ever show?
Can you hear them calling? You know they have fallen on
Campfires cold and dark that never see a spark burn bright
Roll along, roll on/Rose of Cimarron
Dusty days are gone/Rose of Cimarron
Trails that brought them home echo names the've known
Four days high and lonely comin' to you only
You're the one they'd turn to, the only one they knew who'd do
All her best to be around when the chips were down
Hearts like yours belong/Following the dawn
Wrapped up in a song/Rose of Cimarron.

EN ALGUN LUGAR DEL TIEMPO (1980).

2011-11-27T10:58:00.010+01:00

De 1980 data esta película (Somewhere in time), que en su momento pasó relativamente desapercibida, pero que en la actualidad se ha convertido en todo un film de culto. Protagonizada por Christopher Reeve (que ya era Superman), Christopher Plummer (actor siempre eficaz, y que se consagró en su momento como el capitán Von Trapp de Sonrisas y lágrimas) y Jane Seymour (mucho antes de ser la doctora Quinn), nos plantea temas como la vuelta al pasado, el amor más allá de las barreras temporales, y la busca de la felicidad. Acompañada de una evocadora banda sonora, en la cual el tema central se fundamenta en la Rapsodia sobre un tema de Paganini de Serguéi Rajmaninov, la visión de este film nos deja un poso de tristeza, melancolía y a la vez de esperanza. En un manuscrito medieval, curiosamente, ya podemos encontrar una reflexión sobre el tema: Quelque part dans le temps/ nous rencontrorons/À un moment futur/mais pas dans ce présent/ dont le temps /d´autres appartient.

www.youtube.com/watch?v=8_JmUMkLy7g

EL ABISMO DE HELM.

2011-11-27T00:27:00.001+01:00

Una de las mejores escenas de Las dos torres, es, sin lugar a dudas, la que tiene lugar en los momentos finales de la batalla por el Abismo de Helm. Todos la recordaremos: el ejército de orcos está a punto de tomar el último reducto, y el rey Theoden de Rohan está a punto de dejarlo todo. En ese momento, Argorn le convence para encabezar lo que puede ser la última carga, y nuestro monarca recita el himno de batalla de los eorlingas: Coraje, despierta. Ahora por ira. Holocausto. Y rojo amanecer. Bueno, evidentemente es la típica escena épica que encontramos en tantas películas. Pero cada vez que la visiono, lo que me apetece es montar con ellos, cargar contra los orcos, y al demonio con todo.